Madison.- Jessica Gutierrez, además de haberse graduado de la UW-Madison como trabajadora social es una artista que empezó a pintar con acuarelas primero, luego con tinta y después con pasteles al óleo. Empezó pintando flores, bebés, estatuas de Buda y animales como elefantes, leopardos y otros. Con su arte quiere inspirar a la gente y recordarles la belleza del mundo. Ella dice que ser artista es vivir una vida creativa. -”El impulso de pintar viene de un lugar interior. Es como “No puedo NO pintar”. Se siente como un impulso natural como respirar o reír. La razón por la que pinto es muy simple: ¡me encanta! LOL me da energía, me ilumina y me hace sentir feliz y realizada.” Jessica estará participando en la Feria de Arte Latino en el Overture Center el 3 de marzo junto con otros artistas de renombre nacional e internacional..
P.- ¿Dónde vives? ¿Cuánto tiempo llevas en Madison y por qué elegiste esta ciudad?
R.-Vivo en Madison. He vivido en esta área desde 2004. Me mudé aquí para estudiar un posgrado en la Escuela de Trabajo Social de UW-Madison.
P.- Antes de iniciar tu gran aventura como artista, ¿cómo era tu mundo cotidiano (ANTES)? ¿Qué hiciste? ¿Dónde vives?
R.-Antes de comenzar mi aventura como artista vivía en Sun Prairie, WI, siendo madre soltera de mi hijo que tendría unos 14 años en ese momento. Trabajaba a tiempo completo en un nuevo trabajo como terapeuta de salud conductual y me recuperaba de una lesión que sufrí mientras trabajaba como mesero a tiempo parcial.
P.- ¿Qué hecho, razón o motivo te impulsó (catalizador) a embarcarte en esta aventura de ser artista?
R.-Mirando hacia atrás en mi vida, ahora puedo ver que siempre me ha interesado el arte y la creatividad, pero durante mucho tiempo estuve inseguro acerca de mis habilidades. Cuando era niña, pensaba que solo los mejores artistas deberían intentar hacer arte. Recuerdo haber visto un especial 20/20 cuando era niña sobre niños genios que podían tocar Mozart en el piano o que podían pintar como los artistas cuyo trabajo estaba en los museos. Ese recuerdo, junto con los mensajes sociales y familiares sobre el arte como una carrera “no seria” o una carrera que no generaría dinero, contribuyeron a que sintiera que podía explorar mi lado creativo más allá de un interés fugaz o algo que podía hacer “por diversión.”
No fue hasta alrededor de 2011 que me di cuenta de que tenía estas creencias limitantes obsoletas. A veces, nuestras creencias no se controlan durante mucho tiempo y no es hasta que dedicamos tiempo a conectarnos con nuestras verdades más profundas y deseos ocultos que podemos ver cómo nuestras creencias nos están frenando. Para mí, mi verdad y deseo más profundos era ser artista y vivir una vida creativa. Solo entonces pude darme cuenta de lo que me impedía entrar de lleno en mi identidad creativa como artista. Nunca olvidaré el momento en que todo se unió para mí. Me sentí libre y sentí que salió de la nada, como un interruptor que encendió este flujo mágico de energía creativa y ha estado así desde entonces.
¿Quién fue tu mentor o tutor, alguien que te animó, te aconsejó o te orientó para seguir adelante?
R.-La primera persona que recuerdo que me dijo que era artista fue un viejo amigo que me describió a otras personas como artista. Recuerdo estar impactada. Esto fue algo que nunca vi en mí misma. Esto
fue antes de que realmente comenzara a pintar y dibujar de manera abierta. Esta persona dijo que era obvio en la forma en que vestía, decoraba, escribía y pensaba.
La otra persona que recuerdo es Paul Smith, quien falleció recientemente. Lo conocí en 2011 a través de un amigo en común y un grupo de nosotros nos reunimos en FairTrade Coffeehouse en State Street. Dibujamos, hablábamos de la vida y del arte. Él fue uno de los mayores catalizadores para que yo continuara por el camino de convertirse en artista debido a la forma en que respondió a lo que estaba haciendo. Todos necesitamos nutrirnos en los primeros años de dar un salto hacia algo que se siente nuevo o vulnerable y, al no haber ido a la escuela de arte, no tuve esas experiencias de maestros que pudieran guiarme, desafiarme o alentarme. Paul siempre estuvo interesado en lo que estaba creando, lo que me impulsaba o quién era yo. Hizo preguntas difíciles y también compartió sus propias experiencias. Fue un profesor de arte que vivió y respiró arte. Realmente brilló en la forma en que nutrió a mi joven artista. Nunca olvidaré cómo se iluminaba toda su cara cada vez que le mostraba algo. Creo que mis experiencias con Paul fueron reparadoras de esas experiencias tempranas de la vida y de la niña que no creía en sí misma. Esas experiencias realmente me permitieron aumentar mi confianza y eventualmente sentirme arraigada en mí misma y en mi propia identidad como artista.
P.- ¿Cuánto tiempo llevas pintando? ¿Por qué esta forma de arte y no otra? ¿A qué edad empezaste a pintar?
R.- No sé el año exacto en el que realmente empecé a centrarme en pintar con acuarelas. Cuando comencé a explorar realmente en 2011, estaba probando todo tipo de medios. Empecé con tinta, pasteles al óleo, rotuladores y lápices de colores. Eventualmente, el esposo de mi madre, también artista, me donó todos sus materiales de arte mientras se embarca en un enfoque diferente. Me sentí muy afortunada de tener acceso a casi todos los tipos de medios. El dinero era escaso en ese momento, así que esto realmente me permitió explorar a un ritmo más rápido hasta que encontré las acuarelas. Con el tiempo se convirtió en el medio que más usaba, pero también ME ENCANTAN los pasteles al óleo. Son más desordenados y no tan fáciles de usar en espacios públicos, que es donde casi siempre hacía arte antes de la pandemia. Además, las acuarelas eran asequibles en comparación con muchos otros medios coloridos y el color es importante para lo que me emociona.
P.- ¿Cuáles son sus temas?
R.- Cuando empecé mis temas eran principalmente flores y objetos de mi entorno. Solo quería crear desde un lugar de curiosidad y juego. No me preocupé demasiado por ser preciso o tener un tema específico. Mi sensación era que quería que el arte fuera algo que me hiciera disfrutar de la vida y que me permitiera sanar. Tenía mucho dolor en ese momento, me acababan de diagnosticar fibromialgia y pasé de ser una persona muy activa y atlética a no poder tolerar mucho ejercicio sin estar en el suelo con dolor. El arte se convirtió en una nueva forma de enfocar mi energía y procesar emociones. También creo que me ayudó a distraerme del dolor porque me puso en un estado más meditativo, en mi cerebro derecho y/o en un estado de flujo.
He pasado por muchas fases diferentes de temas desde entonces, pasé años pintando elefantes bebés que eran típicamente coloridos y rodeados de flores a otras veces cuando pinté estatuas budistas durante un tiempo en el que estaba inmerso en prácticas de meditación y en lo profundo de mi espiritualidad. viaje. Después de eso, mi tema se amplió para centrarse más en lo que disfrutaban mis seres queridos o en un animal que me atraía en ese momento. En los últimos 5 años, comencé a
cuestionarme realmente en qué me quiero enfocar de manera más consciente y vulnerable. Durante mucho tiempo me he sentido muy cómoda siendo vulnerable y abierta sobre quién soy, pero no fue hasta hace poco que me di cuenta de que no estaba siendo tan abierta y vulnerable a través de mi arte. No creo que sea un requisito para llamarse artista, algunas de las obras de arte más bellas del mundo no son obviamente vulnerables, pero para mí, en este punto de mi viaje y en este punto de mi curación, se siente como si fuera el momento
Desde aproximadamente 2020, comencé a ponerme más abierta y conscientemente en mis pinturas y a escribir sobre cada pieza, lo que estaba pasando o cuál era mi reflejo después de crearla. También he estado trabajando en un cuerpo de trabajo que cuenta la historia de mi familia, mi herencia, mi identidad, mis raíces ancestrales y mis heridas familiares, traumas, así como triunfos y fortalezas. Este será un proyecto en curso durante los próximos dos años, pero los comienzos se han creado y se pueden ver en mi página de Instagram. Algunos ejemplos son: “El Chiquito de Adentro”, “Nicaragua”, “Jessica” y “Rooted”.
P.- ¿De dónde viene tu inspiración? inspiraciones? ¿Por qué pintas?
R.-El impulso de pintar viene de un lugar interior. Es como “No puedo NO pintar”. Se siente como un impulso natural como respirar o reír. La razón por la que pinto es muy simple: ¡me encanta! LOL me da energía, me ilumina y me hace sentir feliz y realizada.
P.- ¿Cómo te conectas con la cuarta dimensión? Método si lo hay (meditación, etc.)
R.-(Si te refieres espiritualmente 🙂 Esto ha cambiado mucho en los últimos años. Hace unos años hubiera dicho meditación, conversación diaria con “Dios” antes de acostarse, pidiendo guía a “Dios”. En años más recientes, cambié a enfocarme en la gratitud por el amor que tengo en mi vida, la sonrisa en el rostro de mi esposo, mi hijo riendo en su habitación, mi mejor amigo riendo y llorando cuando estamos pasando por eso… siento lo divino o la conexión con un reino superior en estos momentos de conexión con los que amo. No es que ya no medito, porque lo hago, pero ahora encuentro más esa conexión espiritual en las relaciones con los demás.
P.- ¿Qué quieres y esperas transmitir con tu arte/obra?
R.-Durante mucho tiempo mi respuesta fue simple, solo quería inspirar a la gente y recordarles la belleza del mundo y de ellos mismos.
En este momento eso sigue siendo cierto, pero hay más. Soy hija de una madre inmigrante que se vio obligada a dejar su hogar y venir a un nuevo país, con un idioma que no entendía y rodeada de gente que no conocía, ni siquiera conocía a su propia familia. La comunidad era principalmente de ascendencia europea, que visible y culturalmente eran muy diferentes a ella. Experimentó una larga lista de experiencias dolorosas y traumáticas durante ese tiempo.
Crecí en esa misma ciudad sin conocer a mi padre y soporté una larga serie de abusos, desde abuso sexual hasta violencia de pareja íntima y acoso basado en la raza, entre muchos otros traumas. No había otros latinos/-as/-xs/es indígenas en nuestro pequeño pueblo, no había nadie que se pareciera a mí o que tuviera antecedentes similares, mi familia no hablaba mucho sobre nuestra identidad, cultura o antecedentes, yo realmente no tenía una idea de quién era yo de una manera positiva. Gran parte de mi identidad no estaba en celebrarlo, se trataba más de esconderme y encajar para no llamar demasiado la atención sobre mí de manera negativa. No fue sino hasta los últimos 5 a 7 años que estuve realmente lista para enfrentar el impacto del trauma y el dolor de mayor nivel de identidad por el que pasó mi familia y por el que yo pasé.
Digo todo esto para decir que quiero que alguien que pasó por lo que yo pasé, lo que pasó mi madre, lo que pasó mi familia, se vea a sí mismo en mi trabajo y se sienta menos solo o se sienta inspirado para sanar a los suyos. dolor o sentirse inspirados para contar su historia a través del arte. Quiero que aquellos que históricamente han estado subrepresentados en el arte se vean representados. Quiero que aquellos como yo o mi familia se sientan vistos, comprendidos y menos solos. Yo también he estado sanando a través de este proceso y quiero seguir sanando en el camino. Es por eso que este proyecto ha estado sucediendo durante un largo período de tiempo y continuará desarrollándose en los próximos años. Es doloroso mirarlo todo, hay muchas sesiones de terapia que ocurren mientras estoy trabajando en una pieza y el procesamiento que ocurre con los seres queridos, muchas lágrimas que se derraman. Es difícil, pero vale la pena porque me siento cada vez más ligera, más segura y arraigada y más yo misma que nunca. También siento que ya no me escondo. Hay más pasos a seguir, pero ha valido la pena cada uno de los pasos que he dado hasta ahora.
P.- ¿Cuál es la obra que más te ha representado o te sigue representando? ¿Cuál de tus obras es tu favorita?
R.-No tengo una que me represente más porque cada pieza me representa más en el momento en que la creé. El que más me emociona y me hace sentir que captura mucho de lo que hablé en las preguntas más recientes que respondí anteriormente es “Rooted”.
P.- ¿En qué exposiciones o eventos has participado recientemente?
R.-En noviembre de 2021 participé en Gallery Night en Alvarado Real Estate Group y recientemente creé parte de la portada del nuevo libro de Sara Alvarado que se estrenará en marzo de este año.
R.-Ahora mismo estoy terminando un proyecto de encargo para alguien. También tengo una pieza que cuenta la historia de la experiencia de mi madre de estar en el terremoto de 1972 en Nicaragua. He tomado un descanso de él por un tiempo, pero planeo volver a trabajar en él pronto.
Una música. No estaría donde estoy sin la música.
P.- ¿Estás trabajando en algún proyecto ahora mismo? ¿Tienes ideas para el futuro?
R.-Ahora mismo estoy terminando un proyecto de encargo para alguien. También tengo una pieza que cuenta la historia de la experiencia de mi madre de estar en el terremoto de 1972 en Nicaragua. He tomado un descanso de él por un tiempo, pero planeo volver a trabajar en él pronto.
P.- ¿Qué otras formas de arte tienen un gran impacto en tu propio arte?
Una música. No estaría donde estoy sin la música.
P.-¿Ser artista es un trabajo? ¿Haces otros trabajos?
R.-Sí, definitivamente. Es mi “trabajo” de medio tiempo aunque nunca se siente como trabajo. En mi trabajo de tiempo completo, trabajo como supervisora clínica de salud conductual y terapeuta con jóvenes.
P.-En este momento de tu vida, ¿qué es lo que más deseas como artista? ¿Crees que el arte es positivo como terapia y cura?
R.-Quiero hacer arte tanto como sea posible. El proceso de hacer arte es la mejor parte de ser artista para mí.
P.-¿Cuáles son los requisitos para ser artista? ¿Vocación?
R.-Esta respuesta puede ser diferente para todos. Lo primero que se me ocurre es: Ser artista es sentirlo por dentro. Entonces, es dejar que emerja de la forma en que quiere que emerja. Luego, está la acción de hacer arte. Si alguien quiere convertirlo en una vocación, está aprendiendo el lado comercial y aprendiendo a establecer contactos con otros artistas, aprendiendo a comercializarse a sí mismo, aprendiendo a darse a conocer e invertir tanto en usted mismo como en su trabajo y su negocio.
P.- ¿Qué tipo de apoyo recibes de la ciudad donde vives para ser artista? ¿Si alguna?
R.-No estoy seguro de entender bien las preguntas. Responderé de la manera que creo que podrías estar preguntando. Recibo el apoyo de quienes organizan los eventos y se acercan o crean oportunidades para postularse para un evento. Me doy cuenta de que desearía que el arte se nutriera más de nuestro estado y ciudad y que hubiera más oportunidades para trabajar como artista sin tener que tener un negocio propio.
P.-¿Qué tipo de apoyo le gustaría ver y recibir de la ciudad? ¿Y por qué es esto importante para la ciudad y la comunidad?
R.-Más trabajos relacionados con el arte, más fondos para programas centrados en el arte, más programación de arte en las escuelas, más educación relacionada con el arte y negocios relacionados con el arte que sea asequible y accesible, más arte visual en espacios públicos y una ciudad más colorida: las calles, los letreros, las luces de las calles, los costados de los edificios, las casas.
P.- ¿Cuál es tu implicación directa o indirecta con la comunidad latina?
R.-Mi primera experiencia de sentido de pertenencia en la comunidad latina/x/se fue cuando Araceli Esparza me pidió que participara en el Latinx Art Festival y diera una charla de arte hace un par de años. He hecho muchas conexiones positivas con nuevos amigos y otros artistas, así como eventos que centran las voces latinas. También estaré participando en la Feria de Arte Latino en el Overture Center el 3/3 como saben.